Голливудская формула успеха, субсидии и украинская анимация. Большое интервью с Максом Ховардом, часть 2

Уверена, вы уже начали знакомиться с Максом Ховардом - легендой мира анимации, бывшим топ-менеджером студий Disney и Warner Bros. Animation, а сейчас - их консультантом. А значит, уже узнали, как создавались «Король Лев», «Мулан» и секретная формула успеха Disney, и вам не терпится узнать все остальное.

Более подробно об этой самой голливудской формуле, а также о том, что вообще происходит на рынке анимации и как на нем работать - в заключительной части интервью.

- Основное правило анимации сегодня?

- Знать правила (смеется). Я совершенно серьезен: нарушать правила и делать на этом успешный продукт можно только в том случае, когда ты знаешь их. Каноны можно и нужно разрушать, со стандартами нужно играть - но только когда ты понимаешь, что делаешь именно это.

Я много общаюсь с кинематографистами на локальных рынках в Европе и часто слышу: «Не хочу снимать так, как в Голливуде», «Это голливудский шаблон». Их главная мотивация создавать артхаусные проекты - снимать не по правилам. Но чаще всего это продюсеры не понимают, откуда эти каноны взялись и что они означают.

Вы сделали коммерческий фильм - это значит, вы сделали фильм, который зритель хочет посмотреть. Вот и весь «шаблон». Это не значит, что вы сняли плохой фильм или продали душу дьяволу. Коммерческий проект не обязует вас «отуплять» свою историю или снисходить до аудитории: зрителя вообще не стоит считать дураком. С другой стороны, это значит, что вы сняли фильм с конкетным мерилом успеха: количеством его зрителей.

Артхаус же - более аморфное понятие. Целенаправленная ориентация создателей только на эти фильмы часто говорит о том, что они не снимают для зрителя. Эту проблему усугубляют и распространенные в Европе субсидии.

- Субсидии - это ребейты? Или вы имеете в виду финансирующие кино фонды и те средства, которые они выделяют напрямую?

- Ребейты - это сугубо экономический инструмент. А вот субсидии и государственное финансирование - это обоюдоострое лезвие. С одной стороны, вы получили финансирование на проект. С другой - если вы назвали проект «артхаусным», есть большой соблазн перестать думать о том, как сделать вашу историю интересной для зрителя, и впасть в самолюбование. Экспериментальным фильмам есть место в сфере кино, но возникает проблема, когда им отдают приоритет.

- То есть артхаус финансировать не стоит?

- Нет, это не совсем так. Позиционируя свой фильм как «артхаус» еще на этапе концепции, автор снимает с себя ответственность: нет критериев, по которым измеряется успех такой работы, значит, нет ответственности.

Задача продюсера, который ведет такой артхаусный проект - не рассчитывать на то, что финансирование от фондов и государств уже в кармане, а работать над зрительским интересом. Неважно, фестивальный это зритель, кинотеатрельный или телевизионный.

Зрителя нужно захватить, причем с первых же минут. Особенно в случае мультика. 

- До этого вы избегали слова «мультик», а тут вдруг сказали. Это неспроста?

- Именно. «Мультиком» (cartoon, - МН) называют анимацию, когда хотят подчеркнуть к ней пренебрежительное отношение: мол, это для детей, это несерьезно.

Анимация работает с такими же правилами сторителлинга, как и любое другое медиа. Зрителя нужно увлекать, его нужно вести по истории. Многие голливудские каноны об этом, они созданы, чтобы помочь зрителю смотреть фильм. Это не значит, что история, которую вы рассказываете, хорошая, плохая, пропаганда или урок философии. Это способ сделать вашу мысль доступной зрителю, и чтобы зритель эмоционально вовлекся в вашу историю.

- Вы говорили, что важен не сюжет, а тема.

- Да, именно. Например, «Звездные войны» - это история взросления и выбора своего пути мальчиком-подростком. Она понятна любому парню, неважно, что действие происходит в далекой галактике. Поэтому она продолжает развлекать не одно поколение зрителей.

- То есть главное правило анимации - фильм должен быть чистым развлечением?

- Именно так, чистым развлечением. Но это не значит, что в нем не может содержаться сложный или глубокий посыл. Это значит, что фильм не должен иметь «второго мотива» навязать этот посыл.

Смысл должен возникать в результате просмотра естественно. Нельзя решить снимать фильм про глубокий посыл и рассчитывать, что под это появится или напишется интересная история. Сюжет-то напишут, но вот интереса в нем будет немного.

- При этом считается, что именно у анимации больше всего средств, чтобы передать зрителю какие-то смыслы. Почему? И как аниматоры этим пользуются?

- Тут все очень просто: в анимации нет ничего случайного. Если вы видите в том же «Короле Льве» тучку, проплывающую над саванной - это потому, что ее кто-то специально нарисовал, разместил именно в этом месте и именно таким образом. 

В этом анимация - уникальное медиа, разве что игровая индустрия имеет такие же условия. Мы работаем с полностью созданной средой, мы решаем, когда солнце всходит или заходит, нам не нужно ждать погоды, света или локации. Аниматоры владеют возможностью манипулировать восприятием зрителя в большей мере, потому что мы тестируем каждый сигнал: цвет, форму, звук, движение.

Но это не отменяет главного правила: фильм должен развлекать зрителя, быть ему интересным. Как только зритель чувствует подвох, что ему хотят прочитать нотацию, мораль, рассказать что-то поучительное - он эмоционально отключается от истории. Это все равно что давать ребенку лекарство.

- Заставлять его есть брокколи?

- Да! Отличная метафора, можно, я ее у вас украду? Именно брокколи. 

Способность зрителя чувствовать, когда ему пытаются скормить насильно идеологию, сродни способности ребенка чуять, когда ему подсовывают под видом десерта овощи на пару.

И другая особенность посылов и смыслов в фильмах, продолжая кулинарное сравнение - если в картине слишком много смыслов, или сюжет конфликтует с теми посылами, которые на него пытаются навесить, получается блюдо со слишком большим количеством ингредиентов и разных вкусов. Они перестают быть понятны.

- Тогда имеет ли успешный студийный фильм «формулу», о которой так часто говорят, или нет?

- Любое кино имеет формулу, я считаю, и студийные проекты, и анимация в том числе. Но я считаю важным различать «формулу» и «шаблонное кино»  (formulaic, - МН). Во втором случае фильм так называют только потому, что формула не работает, она слишком очевидна зрителю. 

Причем очевидность формулы не значит, что она плоха сама по себе, а значит, что зрителю не интересны ни тема, ни герои, ни сюжет, что у него нет эмоционального вовлечения в кино, и поэтому он не сопереживает, а анализирует.

А сами формулы при этом известны всем.

- То есть секрет не в формуле, а в том, как ее использовать?

- Да. Ведь в индустрии совсем немного историй: путь героя, любовная история или buddy-comedy, что по сути всего лишь разновидность ромкома, фильм-ансамбль (с большим количеством главных героев, - МН) и так далее. Посмотрите на Квентина Тарантино: он каждый раз берет очень знакомую, очень традиционную формулу фильма категории Б и играет с ней. Просто Тарантино знает о формулах больше обычного, так как очень хорошо знает историю кино.

А по сути своей «формула» - это структура, карта, которая помогает зрителю ориентироваться в истории, которая позволяет ему не выпасть из эмоциональной плоскости в рациональную и не пытаться разложить историю на составляющие аналитически, а воспринять ее как переживание. 

Чем больше запутывать аудиторию, тем больше она вынуждена искать ответы умом, и тем меньше ей нравится история.

- Но ведь универсальные истории рассказывались всегда, а рынок анимации стал глобальным совсем недавно.

- В последнее время индустрия стала более здоровой: теперь Disney не владеет рынком анимации, даже после приобретения студии Pixar. Технология стала более доступной, появляются другие успешные анимационные студии и фильмы, причем не только в США и традиционно имеющих собственную школу анимации странах, как Япония или Россия, но и по всему миру. Хотя примеры глобального успеха все же появляются на этих рынках: «Шрек», «Гадкий я», «Как приручить дракона», «Унесенные призраками». 

Это, как мне кажется, первый период зрелости индустрии анимации: она наконец-то перестала фокусироваться на вопросе технологии производства и стала вращаться вокруг главного.

- Контент - король?

- И да, и нет.

Контент не первичен и не возникает сам по себе, и одного только владения формулами недостаточно, чтобы создать успешный проект. Формулы и шаблоны - это профессиональные стандарты и навыки, выработанные бизнесом за сотню лет, и они могут помочь оформить контент так, чтобы он был понятен широкой аудитории. 

Индустрия анимации вращается вокруг таланта. Это то, чем я сейчас занимаюсь: ищу талант и делаю так, чтобы истории талантливых аниматоров стали более глобальными и могли найти зрителя на любой территории.

- Именно поэтому ваша работа - консалтинг?

- Да, моя задача сейчас, как я сам ее сформулировал, - находить проекты, которые мне интересны, помогать им формировать бюджет, находить финансирование и делать так, чтобы ресурсы не заканчивались внезапно посреди процесса.

Сейчас я много работаю в Китае - там заинтересованы в том, чтобы достучаться до мировой аудитории, чтобы не «окукливаться» на локальном уровне. Они ищут возможности изучить, адаптировать и начать применять методы работы Голливуда к своему контенту, чтобы вывести его на международный рынок и рынок США, сделать там востребованным.

- Важный аспект привлечения аудитории США, как мне кажется со стороны - это создание анимации на хорошем английском языке и привлечение голливудских актеров для голосовой работы, в том числе селебрити. Это непростое и не дешевое удовольствие.

- Я с вами не соглашусь. Во-первых, анимационные фильмы в основном рассчитаны на детскую аудиторию. Большинство актеров, в том числе очень крупного калибра, мечтают о такой работе. Имейте в виду, что актеры - это в первую очередь люди, и у них тоже часто есть дети. При этом большая часть фильмов, которые они снимают, непригодны для просмотра детьми как минимум до 12, а то и старше. Дети актеров часто не имеют реального представления о том, чем занимаются их родители, так как смотрят анимацию. Естественно, каждому актеру хочется, чтобы его или ее дети посмотрели анимацию с их персонажем.

Во-вторых, это вообще не вопрос цены: актеры получают, конечно же, гонорар за работу по озвучиванию анимационного персонажа, но это для актера не столь значимая сумма. Нельзя сравнивать объем работы актера над игровым фильмом и анимацией. Для озвучивания персонажа требуется смена, может быть, две, и роль при этом учить не надо - сценарий всегда перед глазами, его нужно только читать.

Мартин Фримен, например, работал со мной несколько лет назад так: он озвучил персонажа в фильме «Спасти Санту!», рождественском проекте для телевидения. Его сыну было 2,5 года, и Мартину хотелось, чтобы ребенок посмотрел мультфильм, в котором его папа играет эльфа. Он как раз улетал в Новую Зеландию работать над «Хоббитом», и его агент даже не собирался показывать Мартину предложение, но в итоге он прочел сценарий и захотел поучаствовать в проекте. Он работал на фильме всего около 6 часов, две сессии звукозаписи: перед отъездом записал диалоги персонажа, а спустя почти год мы сделали две песни и кое-какие правки.

В результате все остаются довольными друг другом. Конечно же, в случае Disney речь может идти о больших гонорарах, но это не та работа, которая случается часто.

В-третьих, актеры могут делать в анимационном фильме что хотят. Том Круз не может сыграть злодея в фильме, он должен играть в фильме определенный образ, но может себе позволить озвучить злодейский персонаж в анимации. При этом актеры чаще всего популярны и известны не просто так, а потому, что они хорошо делают то, что делают. А это значит, что им интересны такие эксперименты, учитывая, что для этого не нужны ни грим, ни тренировки, ни зубрежка. Это очень веселая работа. К тому же, все они выросли на анимации, и мало кто откажется поучаствовать в анимационном проекте хотя бы по этой причине.

Ну и в-четвертых, дети не реагируют на большие имена селебрити в титрах. Смотри пункт первый: они их просто не знают, так как не смотрят большую часть фильмов. На громкое имя может отреагировать дистрибутор, или кинотеатр, или родители ребенка, так что это может несколько помочь на первом этапе проката, но для успеха анимации важно, что о фильме будут думать дети. 

- Я знаю, что вы имеете устоявшиеся отношения с украинской анимацией.

- Какое-то время назад я приезжал в Киев каждые шесть недель, и это продлилось более двух лет. Мы разрабатывали проект, судьба которого, я надеюсь, еще не решена, и он возродится. 

Но все началось с фестиваля «Крок»: вначале меня пригласили прочитать мастер-класс, затем - стать членом жюри. Во второй раз я познакомился с продюсером, который предложил мне идею анимационного фильма, в которую я искренне влюбился, и над которой начал работать.

- О чем этот проект?

- Это не большой секрет. Синопсис простой, но очень интересный: это семейная история о путешествии во времени. Человек, который изобрел машину времени, отправлен в неизвестное время его братом. Его два сына, которые друг другу совсем не нравятся, могут вернуть отца, только научившись работать вместе: дело в том, что разблокировать машину и путешествовать во времени они смогут, совершая только добрые дела. Но они не понимают, что такое «доброе дело». 

Это интересный вопрос для нашего общества в целом, фильм, работающий сразу на многих уровнях. Кроме того, что этот фильм смешной, что это семейная комедия, это еще и мощная идея в основе концепции.

- И почему не получилось произвести этот фильм?

- У команды были проблемы с пайплайном, производство было организовано не очень эффективно, но съемки шли отлично, в хорошем темпе. Потом случился 2014 год: вначале мне стало небезопасно ездить в Киев, затем появились проблемы с финансированием. Но я надеюсь что теперь, когда ситуация стабилизировалась, этот проект снова запустится.

- Ну и последний вопрос: какие у вас планы на KYIV MEDIA WEEK?

- Весь мой опыт работы на анимационных проектах подтверждает один незыблемый закон: на производство фильма никогда не бывает достаточно денег и времени. Эти два ресурса создают ежедневные испытания для продюсера.

На KYIV MEDIA WEEK я расскажу кое-какие свои секреты того, как найти баланс между имеющимися возможностями и творческим видением, каково место продюсера в проекте и как ему привести свой фильм к успеху.

Что ж, попасть на мастер-класс можно, если зарегистрироваться вот по этому адресу, и я бы на вашем месте не откладывала.

Фото - Disney, Miramax, facebook.com, Animation Magazine, Wikimedia